Machines et mythes

On dit souvent que l'ouverture de Guillaume Tell de Rossini est l'ouverture la plus célèbre du répertoire, immédiatement reconnaissable par les publics du monde entier. Hector Berlioz, qui a beaucoup écrit sur cette œuvre, l'a décrite comme "une symphonie en quatre parties très distinctes, au lieu du morceau en deux mouvements dont les compositeurs se contentent ordinairement". Qu'est-ce qui confère à cette ouverture une telle puissance durable ?

Rossini l'a composée en 1829 en guise d'introduction à son dernier opéra, Guillaume Tell, créé à Paris la même année. Travaillant sous pression, il a puisé des idées dans certaines de ses œuvres antérieures, notamment Elisabetta, regina d'Inghilterra(Élisabeth, reine d'Angleterre). En fait, Rossini a souvent recyclé sa propre musique - "Una voce poco fa", le célèbre air du Barbier de Séville, trouve également son origine dans Elizabeth.

L'ouverture se déroule en quatre sections contrastées, chacune étant caractérisée de manière vivante :

• Dawn - Cinq violoncelles solos, soutenus par des contrebasses, commencent par une évocation paisible du lever du jour dans les Alpes suisses. Une ligne de violoncelle solo passe d'un instrument à l'autre, tandis que des timbales lointaines laissent présager des turbulences à venir. Berlioz a fait l'éloge de ce passage comme étant "une ouverture poétique" qui capture "le calme d'une profonde solitude".

• Storm - La sérénité est soudainement rompue lorsque l'orchestre au grand complet fait irruption avec des cordes, des vents, des cuivres et des percussions. L'écriture orchestrale de Rossini évoque des éclairs et des coups de tonnerre avant que la tempête ne s'apaise en une seule ligne de flûte.

• Ranz des vaches (Call to the Cows) - Cet interlude pastoral met en scène le cor anglais dans un doux chant de berger, accompagné par des figures de flûte et le doux carillon du triangle, évoquant les cloches du bétail au pâturage. Largement citée dans la culture populaire pour évoquer le matin ou le lever du jour, cette mélodie sert de leitmotiv tout au long de l'opéra.

• Galop (Marche des soldats suisses) - L'ouverture se termine par le célèbre galop final, qui dépeint le soulèvement victorieux du peuple suisse. Ses rythmes entraînants sont devenus synonymes de scènes d'équitation et de poursuites héroïques, immortalisés par le thème de The Lone Ranger. Berlioz, tout en critiquant son "rythme désuet" et son "abus de la grosse caisse", admet néanmoins qu'il a été "traité avec une incontestable supériorité" et interprété avec une énergie irrésistible.

Au-delà de l'opéra, l'ouverture de Guillaume Tell a connu une vie propre remarquable. Franz Liszt l'a transcrite pour piano en 1838 et l'a jouée fréquemment en récital. Plus d'un siècle plus tard, Dmitri Chostakovitch a cité son galop dans sa Symphonie n° 15. Et dans la culture populaire, ses thèmes ont fait surface partout, des dessins animés de Disney à l'Orange mécanique de Stanley Kubrick.

Notes adaptées de l'Irish National Opera et du LA Phil par Mathieu Roy.

Machines, Mannequins et Monstres est un double concerto pour piano et percussion, écrit pour Edana Higham et Zac Pulak. L'œuvre se déroule en trois mouvements continus(attacca). Son titre a été inspiré par une exposition au Museum of Modern Art (MoMA) de New York, qui explorait la façon dont les artistes du début du XXe siècle ont réagi à l'évolution technologique rapide par des images de machines, de mannequins et de monstres - des motifs qui suggèrent à la fois le réel et le surréel, l'espoir et l'inquiétude. Vous pouvez visiter l'exposition en ligne ici. 

Le premier mouvement commence tranquillement, équilibrant des grondements graves avec des sons métalliques chatoyants. Il explore progressivement un spectre de couleurs et de gestes avant d'aboutir à une section mécanique, semblable à une horloge, où des fragments de mélodie se chevauchent et s'entrechoquent.

Le deuxième mouvement sert de cadence aux solistes. Ici, l'univers sonore devient inquiétant et troublant, car le percussionniste est invité à créer des sons et à puiser des résonances à l'intérieur même du piano.

Le dernier mouvement explose de vitesse, de rythme et de puissance. Son énergie se propage sans relâche jusqu'à ce qu'elle se dissipe, s'achevant dans le calme et l'inquiétude.

D'une certaine manière, la Quinzième est la plus néoclassique de toutes les symphonies de Chostakovitch. C'est, du moins à certains moments, son hommage au monde de Haydn, Mozart et Beethoven. Elle est écrite pour un orchestre de taille modeste et se compose de quatre mouvements qui suivent, avec plus de précision et de fantaisie que toutes les autres symphonies de Chostakovitch, les schémas anciens : un premier mouvement léger et comique, jouant de manière presque enfantine avec les signes de la forme sonate ; un sombre mouvement lent ; un scherzo dansant et insaisissable ; et, après une introduction mystérieuse, un dernier mouvement miraculeux par sa fluidité et son sens étrange d'une lumière vive jouant sur une surface sous laquelle se cachent de grandes profondeurs d'obscurité.

La Quinzième a sans aucun doute été conçue comme un résumé, un survol de toute une vie d'expérience musicale par un homme malade et mourant lentement. Il montre également sa vaste connaissance du médium et de l'histoire de la forme. And it is packed with references to most of his own earlier symphonies, almost as though at this critical point he were looking back at himself, both as hero (the brilliant and fearless youngster who gave birth to the astonishing First Symphony, the heroic master of the Fourth and Fifth) and as anti-hero (the many disappointments, terrors and frustrations).

More surprisingly it contains, in a manner blatant and unnervingly provocative, a bizarre sequence of the most surprising quotations found anywhere in his output. Dans le premier mouvement de la Quinzième, sans avertissement, la section des cuivres de l'orchestre bascule latéralement dans une version absurde de l'ouverture "Guillaume Tell" de Rossini, interprétée par une fanfare de pompiers. En revanche, le dernier mouvement s'ouvre sur deux citations extrêmement chargées provenant d'une source tout à fait inattendue : Wagner. Rien dans la musique antérieure de Chostakovitch n'avait préparé les auditeurs à cet intérêt soudain pour le maître de Bayreuth. La première référence concerne le moment de "Die Walküre" où Brünnhilde apparaît à Siegmund qui s'enfuit. Elle a été envoyée pour annoncer au malheureux guerrier qu'il doit mourir. Cet enchaînement obsédant de suspensions interrompues par les battements menaçants de la timbale est ensuite intégré par Chostakovitch dans une citation wagnérienne tout à fait différente, les célèbres notes d'ouverture de "Tristan und Isolde". And then, more bizarrely still, the ‘Tristan’ quotation itself blossoms into a garbled version of a beautiful song by Glinka, setting words by one of the greatest poets of early Russian romanticism, Yevgeny Baratynsky:

Ne me tentez pas inutilement

En retrouvant votre tendresse d'antan.

À un homme désabusé

Toutes les anciennes séductions sont étrangères.

Il est clair que Chostakovitch veut que chaque mouvement qu'il fait dans cette symphonie soit chargé d'une signification spécifique.

Note de Gerard McBurney avec l'aimable autorisation de Boosey & Hawkes